(Jazz) Herbie Hancock,Joe Henderson,Tony Williams&Others:Town Hall Concert(1985) - 1985, MP3 (tracks), 160 kbps

Рон Картер - музыкант того запредельного масштаба, мерить которым обычных людей жестоко и неприлично. Рон Картер - контрабасист того уровня, за которым уже ничего и нет, потому что уровень этот - горизонт, недостижимый для других. Рон Картер - возможно, самый записываемый музыкант на планете: по некоторым подсчетам, количество пластинок с его участием перевалило за тысячу. За почти семдесят пять лет своей жизни он переиграл практически со всеми своими великими джазовыми современниками и несколькими симфоническими оркестрами. Ведь Рон Картер - еще и классически подготовленный виолончелист, а также создатель музыкальных инструментов - словом, человек, одаренный как-то даже не по человечески щедро. Как часто бывает в таких случаях, музыку на своих пластинках Рон Картер записывает простую и небесно-прозрачную: легкий, совершенно классический боп, иногда с блюзовым уклоном, иногда с уклоном в латино, но во всех случаях - исключительной структурной четкости и почти архитектурного изящества. И на всей исполняемой им музыке лежит печать его исключительности. На стандартах ли, оригинальных ли пьесах - эта исключительность слышна в том, как распространяется повсюду эта музыка, как она расцветает в пространстве, словно только что родилась из воздуха и с легкостью же воздуха окружает слушателя.
"Play"

Лишь считанные джазовые музыканты успешно преодолевают противоречия между джазом, как явлением искусства и джазом, как развлекательно-популярным жанром. И еще большей редкостью является то, что пианист Херби Хэнкок успешно собирает плоды успеха в обоих этих мирах.
Поиск источников таланта и пристрастий Хэнкока уводит нас к его чикагским корням. Музыка, которую исполняли на обоих побережьях, особенно в 50-е и в 60-е годы, была нацелена на выявление новых тенденций. В Чикаго же в те годы можно было лицезреть более панорамную перспективу не только уже сформировавшихся течений, но и тенденций, которые могли бы стать таковыми.
Родившийся в 1940 году Хэнкок начал учиться игре на фортепиано в возрасте семи лет, а уже в одиннадцать играл фортепианный концерт ре мажор Моцарта с Чикагским симфоническим оркестром. Тинейджером он исполнял Бранденбургский концерт №2 Баха. И хотя в годы учебы в высшей школе он уже возглавлял регулярно выступавший джазовый ансамбль, поступая в Гринелл Колледж в Айове, он рассчитывал стать инженером и рассматривал эту профессию, как будущее главное дело своей жизни. Но все обернулось иначе, вскоре он переключился на сочинение музыки; после завершения образования в 1960 году, он вернулся в Чикаго. В январе 1961 года Хэнкок отправился в Нью-Йорк с трубачом Дональдом Бердом и там сразу пришелся ко двору.
Он столь сильно очаровал представителей фирмы звукозаписи “Blue Note”, что уже в мае 1962 года получил возможность записываться в качестве лидера бэнда. Появившийся в результате альбом “Takin’ Off” многие считают самым совершенным и ошеломляющим дебютом в анналах джаза. Общеизвестно, что композиция “Watermelon Man” с тех пор получила широкую популярность и очень часто звучит в записи.
В 1962-63 годах Хэнкок сотрудничал с Эриком Дольфи, а затем, в мае 1963 года, стал членом квинтета Майлса Дэвиса. Его стиль игры к тому времени превратился в чрезвычайно индивидуализированную смесь блюза и бопа с красочными гармониями и изысканным звуком, представлявшим собой эффектную комбинацию приемов, которые можно было услышать у прежних пианистов Дэвиса — Реда Гарланда, Билла Эванса, Уинтона Келли и Виктора Фельдмана.
Работая с Роном Картером и Тони Уильямсом, Хэнкок помог революционизировать традиционную джазовую концепцию ритм-секции и ее отношение к игре солистов. Используя более ранние поиски столь непохожих коллективов, как трио Билла Эванса и квартет Орнетта Коулмэна, он создавал музыкальные конструкции с невиданной ранее степенью свободы и взаимодействия. За пять лет, проведенных в квинтете Дэвиса, Хэнкок сочинил также несколько тем, ставших настоящими стандартами: “Maiden Voyage”, “Dolphin Dance”, “Cantaloupe Island”, “The Sorcerer” и “Speak Like A Child”.
Годы с Дэвисом превратили его в широко известного в мире музыканта, одного из крупнейших пианистов своего поколения и прекрасного композитора для малых составов. С 1971 по 1973 год Хэнкок руководил секстетом, сочетавшим элементы джаза, рока, африканской и индийской музыки с электронными инструментами и спецэффектами. Секстет сложился под влиянием ранних дэвисовских записей стиля фьюжн, в которых Хэнкок принимал участие. Ансамбль славился броским сдваиванием голосов инструментов, изящной смесью акустических и электронных звучаний и изощренной сменой темпоритмов. Хэнкок начал все активнее применять современные методы обработки звука, пропуская, к примеру, звук фортепиано “Fender Rhodes” через разнообразные процессоры, типа уа-уа или фузз-педали.
Перелом наступил при работе над проектом “The Headhunters”, для которого Хэнкок сформировал одноименный ансамбль. Позже он объяснял: “Вместо того, чтобы работать с джазменами, которые умеют играть фанк, я предпочитаю фанк-музыкантов, смыслящих в джазе.” Плодом этого альбома стал знаменитый хит “Chameleon” (№42 в области поп-музыки и № 18 в ритм-энд-блюзе в 1974г.). “Thrust”, “Manchild” и звуковая дорожка к фильму “The Death Wish” продавались также весьма успешно, равно как и “Fat Albert Rotunda”, звуковая дорожка к телевизионному анимационному фильму для программы Билла Косби. В 1976 году Хэнкок внезапно свернул со своего электрик-фанк курса, чтобы сформировать V.S.O.P. (“Very Special Onetime Performance”), акустическую джазовую группу с Тони Уильямсом, Уэйном Шортером из “Weather Report”, басистом Роном Картером и трубачом Фредди Хаббардом, игравшую в манере раннего Майлса Дэвиса времен “Blue Note”. Этот состав совершил успешный гастрольный тур, записал альбом и затем был распущен.
Вскоре после этих событий Хэнкок обратился в буддизм направления Шошу Нитирэн, а двумя годами позже предпринял гастрольный тур с Чиком Кориа, играя дуэт на акустических фортепиано.
В 1979г. альбом “Feets Don’t Fail Me Now” принес значительный коммерческий успех, повторенный в 1980г. диском “Monster”.
В 1981г. вновь гастролировал и записывался ансамбль V.S.O.P., на этот раз в виде квартета, где отсутствовал Уэйн Шортер, а место Хаббарда занял трубач Уинтон Марсалис.
В 1982г. Хэнкок продюсировал дебютный альбом Уинтона Марсалиса на фирме “Columbia”, а позже совершил гастрольное турне с Уинтоном и его братом Брэнфордом Марсалисом.
Хэнкок весьма преуспел и в еще одной сфере, сочиняя музыку для кино. Он был автором саундтреков к “A Soldier’s Story” (1984), “Round Midnight” (1986), “JoJo Dancer Your Life Is Calling” (1986) и “Colors” (1987), причем за “Midnight” он был удостоен Оскара. Однако, как далеко бы не уходил Херби от своего коронного жанра, он никогда не упускал джаз из виду. В 1992 году Хэнкок организовал большие гастроли под девизом “Tribute To Miles Davis”, в которых приняли участие Тони Уильямс, Уэйн Шортер, Рон Картер и Уоллес Роуни. Одновременно он продолжал работу в формате фортепианного трио и именно его влияние на всех современных пост-марсалисовских пианистов является наиболее значительным. В 1994 году музыка Хэнкока вернулась в поп-чарты в виде сэмпла: “Us3” использовали фортепианный аккомпанемент из композиции Хэнкока 1964 года “Cantaloupe Island” для своего джаз/хип-хоп хита “Cantaloop”. Хэнкок был также удостоен Грэмми за лучший джазовый инструментальный концерт в связи с акцией “Tribute To Miles Davis”.
Ощущение радости при прослушивании музыки Хэнкока возникает вовсе не от представления артиста в виде некоего трюкача, ловко меняющего наряды или водевильного фокусника — престидижитатора, нет, он играет то насыщенный энергией рока джаз, то предстает солидным лидером камерного ансамбля, а между двумя этими ипостасями мелькает тень фанк-алхимика. Только сам Хэнкок мог бы объяснить как энергичная и одухотворенная манера игры левой рукой, унаследованная им от блюзменов и ранних мастеров джаза неожиданно привела его к фанку; как фанк преобразил его игру, сделав нижние регистры столь многофункциональными; каким образом поклонение электрифицированному “Fender-Rhodes” в 70-е перешло в изящнейшие аранжировки струнных для его “Steinway” при исполнении концерта Равеля в 90-е.
Хэнкок с одинаковым уважением отзывается о самых разных представителях классической музыки. Это и Карл-Хайнц Штокгаузен, немецкий авангардист, благодаря “Gesang der Junglinge” которого Хэнкок заинтересовался электронной музыкой. Он говорит, что джазмен несколько иначе чувствует подобную музыку: “возможно, чуть менее математично.” Это и Игорь Стравинский, чьи “Весна священная” и “Жар-Птица” относятся к числу любимейших произведений Хэнкока. Это и Лили Буланже, необычайно талантливая женщина, одна из самых интересных композиторов Франции 20-х годов (неточность, Лили Буланже скончалась в 1918г. в возрасте 25 лет — прим. пер.), сестра всемирно известного дирижера и педагога Нади Буланже. Список может быть продолжен такими именами, как Роберт Фарнон, Бела Барток, Устад Али Акбар Хан и сама широта его свидетельствует о недюжинной музыкальной эрудиции Херби Хэнкока.
Блистательная сорокалетняя карьера пианиста, композитора, аранжировщика и бэнд-лидера Херби Хэнкока помимо перечня успехов может послужить поводом для постановки весьма неоднозначной проблемы. Применимо ли понятие линейного прогресса для биографии крупного мастера искусств? Напрямую ли связана с возрастом творческая зрелость музыканта? В творчестве Хэнкока хард-боп, фьюжн, рок, хип-хоп, африканская музыка, классика, свинг и импровизация взаимосвязаны и лишь сменяют друг друга в шкале его музыкальных интересов на протяжении всей долгой карьеры. Термины “ранний” или “поздний” практически бессмысленны, когда окидываешь взором его произведения за все эти годы и видишь, что графически увлеченность Херби тем или иным направлением можно лучше всего представить в виде круга. Он словно прячет всегда музыку вчерашнего дня в одном кармане, а музыку завтрашнего — в другом.
Конец 1998 года особенно явно подчеркнул необходимость обернуться и вспомнить первые этапы музыкальной карьеры Хэнкока. “Blue Note” издала сборник из шести дисков, в который вошли все семь альбомов, записанных Хэнкоком для этой фирмы с 1962 по 1969 год. Вошли в комплект также некоторые записи других музыкантов этой же фирмы, в которых Хэнкок играл примерно в этот же период. Октябрь 1998 года принес “Gershwin’s World”, необычайно амбициозный и бесспорно удачный проект, посвященный Джорджу Гершвину и его современникам. Хэнкок сотрудничал при его создании с целым рядом других музыкантов, от виртуоза духовых Джеймса Картера и до “Orpheus Orchestra”, а свои излюбленные звучания использовал как отправную точку для рождения новых, еще более восхитительных.
Сегодня, когда Хэнкок начинает прощаться с понятием “средний возраст”, его жажда нового, многогранность и способность к творческому росту знают мало равных. Херби Хэнкок всегда будет оставаться одним из наиболее уважаемых и противоречивых людей в джазе.
Избранная дискография...
“Maiden Voyage” (1964, Blue Note); “Empyrean Isles” (1964). Это два классических альбома 60-х годов. Ритм-секцию на обоих дисках составляют музыканты, игравшие у Майлса Дэвиса — Рон Картер и Тони Уильямс; на трубе играет Фредди Хаббард. На “Maiden Voyage” к квартету присоединился саксофонист Джордж Коулмэн. Все композиции сочинены Хэнкоком и по крайней мере три из них стали стандартами в джазе: “Maiden Voyage” и “Dolphin Dance” из первого альбома и “Cantaloupe Island” — из второго. Безупречное исполнительское мастерство в обоих альбомах и вершина для Фредди Хаббарда.
“Headhunters” (1973). Этот драгоценный камень Хэнкок огранил с помощью Бенни Мопина (саксофоны, флейта), басиста Пола Джексона и Харви Мэйсона с Биллом Саммерсом на ударных и перкуссии соответственно. Общий саунд разработан и оркестрован с величайшей тщательностью, все сольные импровизации безукоризненно вписаны в контекст тем, демонстрирующие все стороны виртуозности Хэнкока: великолепное чувство времени и безукоризненная смена ритмов, прелестные мелодии, удивительно точные и эффектные риффы и атмосфера урбанистичной неги, приправленной радостью.
V.S.O.P. “The Quintet”(1977). Попытка воссоздать великий квинтет Майлса Дэвиса 60-х годов с Фредди Хаббардом в роли Майлса. Все сделано очень здорово, но, увы, оказалось невозможным повторить тот “шок новизны”, который, безусловно, был одним из главных ингредиентов, придававших ансамблю Дэвиса его динамизм.
“An Evening With Chick Corea And Herbie Hancock” (1978). Кориа с помощью прочувствованных пассажей отвлекся от глубокого погружения в электронику, имевшего место в середине 70-х.
Херби Хэнкок, Уинтон Марсалис, Рон Картер и Тони Уильямс. “Quartet” (1982). Живая иллюстрация генезиса нео-бопа. Великая ритм-секция 60-х приняла под свое крыло Марсалиса, эмбрион главной иконы следующего поколения. Прекрасная техника, молодчага Рон Картер, а минималистская пьеса “A Quick Scetch” — прекрасный образчик формы Марсалиса.
[/spo
[img]Лишь считанные джазовые музыканты успешно преодолевают противоречия между джазом, как явлением искусства и джазом, как развлекательно-популярным жанром. И еще большей редкостью является то, что пианист Херби Хэнкок успешно собирает плоды успеха в обоих этих мирах.
Поиск источников таланта и пристрастий Хэнкока уводит нас к его чикагским корням. Музыка, которую исполняли на обоих побережьях, особенно в 50-е и в 60-е годы, была нацелена на выявление новых тенденций. В Чикаго же в те годы можно было лицезреть более панорамную перспективу не только уже сформировавшихся течений, но и тенденций, которые могли бы стать таковыми.
Родившийся в 1940 году Хэнкок начал учиться игре на фортепиано в возрасте семи лет, а уже в одиннадцать играл фортепианный концерт ре мажор Моцарта с Чикагским симфоническим оркестром. Тинейджером он исполнял Бранденбургский концерт №2 Баха. И хотя в годы учебы в высшей школе он уже возглавлял регулярно выступавший джазовый ансамбль, поступая в Гринелл Колледж в Айове, он рассчитывал стать инженером и рассматривал эту профессию, как будущее главное дело своей жизни. Но все обернулось иначе, вскоре он переключился на сочинение музыки; после завершения образования в 1960 году, он вернулся в Чикаго. В январе 1961 года Хэнкок отправился в Нью-Йорк с трубачом Дональдом Бердом и там сразу пришелся ко двору.
Он столь сильно очаровал представителей фирмы звукозаписи “Blue Note”, что уже в мае 1962 года получил возможность записываться в качестве лидера бэнда. Появившийся в результате альбом “Takin’ Off” многие считают самым совершенным и ошеломляющим дебютом в анналах джаза. Общеизвестно, что композиция “Watermelon Man” с тех пор получила широкую популярность и очень часто звучит в записи.
В 1962-63 годах Хэнкок сотрудничал с Эриком Дольфи, а затем, в мае 1963 года, стал членом квинтета Майлса Дэвиса. Его стиль игры к тому времени превратился в чрезвычайно индивидуализированную смесь блюза и бопа с красочными гармониями и изысканным звуком, представлявшим собой эффектную комбинацию приемов, которые можно было услышать у прежних пианистов Дэвиса — Реда Гарланда, Билла Эванса, Уинтона Келли и Виктора Фельдмана.
Работая с Роном Картером и Тони Уильямсом, Хэнкок помог революционизировать традиционную джазовую концепцию ритм-секции и ее отношение к игре солистов. Используя более ранние поиски столь непохожих коллективов, как трио Билла Эванса и квартет Орнетта Коулмэна, он создавал музыкальные конструкции с невиданной ранее степенью свободы и взаимодействия. За пять лет, проведенных в квинтете Дэвиса, Хэнкок сочинил также несколько тем, ставших настоящими стандартами: “Maiden Voyage”, “Dolphin Dance”, “Cantaloupe Island”, “The Sorcerer” и “Speak Like A Child”.
Годы с Дэвисом превратили его в широко известного в мире музыканта, одного из крупнейших пианистов своего поколения и прекрасного композитора для малых составов. С 1971 по 1973 год Хэнкок руководил секстетом, сочетавшим элементы джаза, рока, африканской и индийской музыки с электронными инструментами и спецэффектами. Секстет сложился под влиянием ранних дэвисовских записей стиля фьюжн, в которых Хэнкок принимал участие. Ансамбль славился броским сдваиванием голосов инструментов, изящной смесью акустических и электронных звучаний и изощренной сменой темпоритмов. Хэнкок начал все активнее применять современные методы обработки звука, пропуская, к примеру, звук фортепиано “Fender Rhodes” через разнообразные процессоры, типа уа-уа или фузз-педали.
Перелом наступил при работе над проектом “The Headhunters”, для которого Хэнкок сформировал одноименный ансамбль. Позже он объяснял: “Вместо того, чтобы работать с джазменами, которые умеют играть фанк, я предпочитаю фанк-музыкантов, смыслящих в джазе.” Плодом этого альбома стал знаменитый хит “Chameleon” (№42 в области поп-музыки и № 18 в ритм-энд-блюзе в 1974г.). “Thrust”, “Manchild” и звуковая дорожка к фильму “The Death Wish” продавались также весьма успешно, равно как и “Fat Albert Rotunda”, звуковая дорожка к телевизионному анимационному фильму для программы Билла Косби. В 1976 году Хэнкок внезапно свернул со своего электрик-фанк курса, чтобы сформировать V.S.O.P. (“Very Special Onetime Performance”), акустическую джазовую группу с Тони Уильямсом, Уэйном Шортером из “Weather Report”, басистом Роном Картером и трубачом Фредди Хаббардом, игравшую в манере раннего Майлса Дэвиса времен “Blue Note”. Этот состав совершил успешный гастрольный тур, записал альбом и затем был распущен.
Вскоре после этих событий Хэнкок обратился в буддизм направления Шошу Нитирэн, а двумя годами позже предпринял гастрольный тур с Чиком Кориа, играя дуэт на акустических фортепиано.
В 1979г. альбом “Feets Don’t Fail Me Now” принес значительный коммерческий успех, повторенный в 1980г. диском “Monster”.
В 1981г. вновь гастролировал и записывался ансамбль V.S.O.P., на этот раз в виде квартета, где отсутствовал Уэйн Шортер, а место Хаббарда занял трубач Уинтон Марсалис.
В 1982г. Хэнкок продюсировал дебютный альбом Уинтона Марсалиса на фирме “Columbia”, а позже совершил гастрольное турне с Уинтоном и его братом Брэнфордом Марсалисом.
Хэнкок весьма преуспел и в еще одной сфере, сочиняя музыку для кино. Он был автором саундтреков к “A Soldier’s Story” (1984), “Round Midnight” (1986), “JoJo Dancer Your Life Is Calling” (1986) и “Colors” (1987), причем за “Midnight” он был удостоен Оскара. Однако, как далеко бы не уходил Херби от своего коронного жанра, он никогда не упускал джаз из виду. В 1992 году Хэнкок организовал большие гастроли под девизом “Tribute To Miles Davis”, в которых приняли участие Тони Уильямс, Уэйн Шортер, Рон Картер и Уоллес Роуни. Одновременно он продолжал работу в формате фортепианного трио и именно его влияние на всех современных пост-марсалисовских пианистов является наиболее значительным. В 1994 году музыка Хэнкока вернулась в поп-чарты в виде сэмпла: “Us3” использовали фортепианный аккомпанемент из композиции Хэнкока 1964 года “Cantaloupe Island” для своего джаз/хип-хоп хита “Cantaloop”. Хэнкок был также удостоен Грэмми за лучший джазовый инструментальный концерт в связи с акцией “Tribute To Miles Davis”.
Ощущение радости при прослушивании музыки Хэнкока возникает вовсе не от представления артиста в виде некоего трюкача, ловко меняющего наряды или водевильного фокусника — престидижитатора, нет, он играет то насыщенный энергией рока джаз, то предстает солидным лидером камерного ансамбля, а между двумя этими ипостасями мелькает тень фанк-алхимика. Только сам Хэнкок мог бы объяснить как энергичная и одухотворенная манера игры левой рукой, унаследованная им от блюзменов и ранних мастеров джаза неожиданно привела его к фанку; как фанк преобразил его игру, сделав нижние регистры столь многофункциональными; каким образом поклонение электрифицированному “Fender-Rhodes” в 70-е перешло в изящнейшие аранжировки струнных для его “Steinway” при исполнении концерта Равеля в 90-е.
Хэнкок с одинаковым уважением отзывается о самых разных представителях классической музыки. Это и Карл-Хайнц Штокгаузен, немецкий авангардист, благодаря “Gesang der Junglinge” которого Хэнкок заинтересовался электронной музыкой. Он говорит, что джазмен несколько иначе чувствует подобную музыку: “возможно, чуть менее математично.” Это и Игорь Стравинский, чьи “Весна священная” и “Жар-Птица” относятся к числу любимейших произведений Хэнкока. Это и Лили Буланже, необычайно талантливая женщина, одна из самых интересных композиторов Франции 20-х годов (неточность, Лили Буланже скончалась в 1918г. в возрасте 25 лет — прим. пер.), сестра всемирно известного дирижера и педагога Нади Буланже. Список может быть продолжен такими именами, как Роберт Фарнон, Бела Барток, Устад Али Акбар Хан и сама широта его свидетельствует о недюжинной музыкальной эрудиции Херби Хэнкока.
Блистательная сорокалетняя карьера пианиста, композитора, аранжировщика и бэнд-лидера Херби Хэнкока помимо перечня успехов может послужить поводом для постановки весьма неоднозначной проблемы. Применимо ли понятие линейного прогресса для биографии крупного мастера искусств? Напрямую ли связана с возрастом творческая зрелость музыканта? В творчестве Хэнкока хард-боп, фьюжн, рок, хип-хоп, африканская музыка, классика, свинг и импровизация взаимосвязаны и лишь сменяют друг друга в шкале его музыкальных интересов на протяжении всей долгой карьеры. Термины “ранний” или “поздний” практически бессмысленны, когда окидываешь взором его произведения за все эти годы и видишь, что графически увлеченность Херби тем или иным направлением можно лучше всего представить в виде круга. Он словно прячет всегда музыку вчерашнего дня в одном кармане, а музыку завтрашнего — в другом.
Конец 1998 года особенно явно подчеркнул необходимость обернуться и вспомнить первые этапы музыкальной карьеры Хэнкока. “Blue Note” издала сборник из шести дисков, в который вошли все семь альбомов, записанных Хэнкоком для этой фирмы с 1962 по 1969 год. Вошли в комплект также некоторые записи других музыкантов этой же фирмы, в которых Хэнкок играл примерно в этот же период. Октябрь 1998 года принес “Gershwin’s World”, необычайно амбициозный и бесспорно удачный проект, посвященный Джорджу Гершвину и его современникам. Хэнкок сотрудничал при его создании с целым рядом других музыкантов, от виртуоза духовых Джеймса Картера и до “Orpheus Orchestra”, а свои излюбленные звучания использовал как отправную точку для рождения новых, еще более восхитительных.
Сегодня, когда Хэнкок начинает прощаться с понятием “средний возраст”, его жажда нового, многогранность и способность к творческому росту знают мало равных. Херби Хэнкок всегда будет оставаться одним из наиболее уважаемых и противоречивых людей в джазе.
Избранная дискография...
“Maiden Voyage” (1964, Blue Note); “Empyrean Isles” (1964). Это два классических альбома 60-х годов. Ритм-секцию на обоих дисках составляют музыканты, игравшие у Майлса Дэвиса — Рон Картер и Тони Уильямс; на трубе играет Фредди Хаббард. На “Maiden Voyage” к квартету присоединился саксофонист Джордж Коулмэн. Все композиции сочинены Хэнкоком и по крайней мере три из них стали стандартами в джазе: “Maiden Voyage” и “Dolphin Dance” из первого альбома и “Cantaloupe Island” — из второго. Безупречное исполнительское мастерство в обоих альбомах и вершина для Фредди Хаббарда.
“Headhunters” (1973). Этот драгоценный камень Хэнкок огранил с помощью Бенни Мопина (саксофоны, флейта), басиста Пола Джексона и Харви Мэйсона с Биллом Саммерсом на ударных и перкуссии соответственно. Общий саунд разработан и оркестрован с величайшей тщательностью, все сольные импровизации безукоризненно вписаны в контекст тем, демонстрирующие все стороны виртуозности Хэнкока: великолепное чувство времени и безукоризненная смена ритмов, прелестные мелодии, удивительно точные и эффектные риффы и атмосфера урбанистичной неги, приправленной радостью.
V.S.O.P. “The Quintet”(1977). Попытка воссоздать великий квинтет Майлса Дэвиса 60-х годов с Фредди Хаббардом в роли Майлса. Все сделано очень здорово, но, увы, оказалось невозможным повторить тот “шок новизны”, который, безусловно, был одним из главных ингредиентов, придававших ансамблю Дэвиса его динамизм.
“An Evening With Chick Corea And Herbie Hancock” (1978). Кориа с помощью прочувствованных пассажей отвлекся от глубокого погружения в электронику, имевшего место в середине 70-х.
Херби Хэнкок, Уинтон Марсалис, Рон Картер и Тони Уильямс. “Quartet” (1982). Живая иллюстрация генезиса нео-бопа. Великая ритм-секция 60-х приняла под свое крыло Марсалиса, эмбрион главной иконы следующего поколения. Прекрасная техника, молодчага Рон Картер, а минималистская пьеса “A Quick Scetch” — прекрасный образчик формы Марсалиса.

Henderson, Joe (Joseph A. Henderson)
b. Lima, Ohio 24.04.37
d. San Francisco, CA 30.06.2001
Хард- и постбоповый тенор-саксофонист Joe Henderson (Джо Хендерсон) сумел доказать, что креативный маркетинг позволяет успешно продавать джаз, при этом не опуская его до попсо-вого уровня. Несмотря на то, что его саунд и стиль не изменились с середины 60-х годов, в 1992 году контракт с Joe Henderson заключила компания Verve. На тот момент эта информация имела хождение в качестве главной новости лэйбла, хотя музыкантом было записано немало памятных сешнз для других компаний. Такие его записи для Verve, как посвящения Билли Стрэйхорну, Miles Davis и Антонио Карлосу Жобиму, пользовались заметным спросом. В результате Joe Henderson стал национальной знаменитостью и постоянным лидером хит-парадов (при этом играя точно так же, как в 70-е годы, когда он, по сути, находился в тени).
Joe Henderson учился в колледже штата Кентукки, Уэйнском университете, в 1960-1962 годах служил в армии, недолго играл с Джеком МакДаффом. Признания же музыкант добился, работая с трубачом Кении Дорэмом (1962-1963 г.г.), ветераном бопа, который и ввел его в элиту джаза, а кроме того, помог подписать контракте Blue Note. Joe Henderson принял участие во многих сешнз Blue Note и как лидер, и каксайдмен, в 1964-1966 годах играл в квинтете Хорaса Силвера, а в 1969-1970 годах — бэнде Herbie Hancock.
С самого начала у Joe Henderson был очень узнаваемый саунд и стиль. Несмотря на то, что артист испытывал некоторое влияние Сонни Роллинса и John Coltrane, его музыка всегда содержала массу совершенно новых идей и фраз. В течение очень длительного периода он в любой момент был готов импровизировать — как с сопровождением, так и без оного, в любом стиле (от хард-бопа до свободной формы).
В 70-е годы он жил в Сан-Франциско, изредка записываясь для Milestone, в 80-е годы преподавал и также записывался (для Blue Note). На 65-м году жизни Joe Henderson скончался от сердечной недостаточности после длительной борьбы с эмфиземой.

Freddie HubbardHubbard, Freddie (Frederick Dewayne Hubbard) b. Indianapolis, IN 07.04.38 Один из величайших джазовых трубачей и флюгелыорнистов всех времен, Freddie Hubbard (Фредди Хаббард) (хард- и постбоп, фьюжн, джаз-фанк) сформировал свой саунд В русле традиций Клиффорда Брауна и Ли Моргана и уже в начале 70-х был достаточно отчетливо различим в джазовой панораме того времени. Правда, следует отметить, что ряд крикливо-коммерческих альбомов, выпущенных им в последующие годы десятилетия, несколько подпортил репутацию музыканта, и в начале 90-х, когда после смерти Диззи Гиллеспи и Miles Davis именно Freddie Hubbard мог бы претендовать на роль мэтра-ветерана, колебания курса, допущенные им прежде, доставили ему немало серьезных проблем. В молодости Freddie Hubbard играл с Thelonious Monk и Уэсом Монтгомери. В 1958 приехал в Нью-Йорк, поселился вместе с Эриком Долфи (с которым он записывался в 1960), играл в комбо Филли Джо Джонса (1958-59), Сонни Роллинса, Слайда Хэмптона и Джей Джей Джонсона перед тем, как отправиться в европейское турне с Куинси Джонсом (1960-61). Записывался с John Coltrane, участвовал в проекте Ornette Coleman Free Jazz (1960), попал на классический альбом Оливера Нелсона Blues and the Abstract Truth, где блеснул в Stolen Moments, и в том же 1960 начал записываться для Blue Note как лидер. Известности Freddie Hubbard добился, играя в Jazz Messengers Арта Блэйки (1961-64), где он сменил Уэйна Шортера и Кертиса Фуллера. В 1964-65 записывал Ascension с Колтрейном, Out of Lunch с Эриком Долфи, Maiden Voyage с Herbie Hancock. После периода сотрудничества с Максом Роучем (1965-66) возглавил собственный квинтет, в котором тогда играл альт-саксофонист Джеймс Сполдинг Яркий трубач, обладатель красивого тона на флюгельгорне, Freddie Hubbard легко вписывался в любой авангардный коллектив, но по сути всегда являлся стилистом хард-бопа. В 1970 Freddie Hubbard записал два из числа самых лучших своих альбомов — Red Clay и Straight Life для CTI. Следующий, First Light (1971), с аранжировками Дона Себески, был, пожалуй, наиболее популярной записью Freddie. Но после периода славы с CTI (в течение которого продюсер Крид Тэйлор виртуозно балансировал между искусством и доступностью) Freddie Hubbard сделал ошибку, подписав контракт с Columbia и начав выпускать один неудачный альбом за другим. Так или иначе, в 1977 он гастролировал с акустическим квинтетом Хэнкока V.S.O.P., а его записи 80-х для Pablo, Blue Note и Atlantic продемонстрировали, что музыкант не утратил достигнутых в свое время высот.

Robert Hutcherson. Born: Jan 27, 1941 in Los Angeles, CA.
Genres: Jazz.
Styles: Hard Bop, Post-Bop.
Instruments: Vibraphone
Although when he first came up vibraphonist Bobby Hutcherson was associated with the avant-garde. He has since settled down into being "merely" a brilliant stylist whose playing falls between hard bop and post bop rather than becoming an innovator.
Hutcherson originally studied piano and then started concentrating on vibes as a teenager. He worked in the L.A. area with Curtis Amy and Charles Lloyd before joining the Al Grey-Billy Mitchell Quintet. Hutcherson moved to New York in 1961, made a big impression with his playing on Eric Dolphy's Out to Lunch (1964) and worked with everyone from Jackie McLean, Hank Mobley and Grachan Moncur III to Hank Mobley, Herbie Hancock, Andrew Hill, McCoy Tyner and Grant Green. Whenever an advanced vibraphonist was needed for a recording, Hutcherson got the call. He recorded a long series of albums as a leader for Blue Note (1965-77), co-led a quintet with Harold Land (1967-71) and has headed his own groups ever since other than his dates with the Timeless All Stars in the 1980s. In addition to Blue Note, Bobby Hutcherson has recorded as a leader for Cadet, Columbia, Timeless, Evidence, Contemporary and Landmark.

Poll-winning flutist James Newton stands in the forefront of a contemporary musical movement which continues to gather momentum on an international scale. Along with several others around the world, he leads the way in breaking down divisive categorical barriers while simultaneously creating a new and inclusive universal music.
Echo Canyon (13012), was entirely improvised on solo flute, recorded live, at night, outdoors, beneath a full moon, in the mountains northeast of Santa Fe, New Mexico. Over the years, Newton has completely assimilated music from America, Europe, Japan, India, Africa, South America, and elsewhere. On Echo Canyon, he spontaneously processed them through his personal psyche and transformed them. The whole of Echo Canyon constitutes an original world music, rhythmically free and lovingly connected with healing nature, that contains a near–perfect balance between intellect, spirit, passion, and form. Says Newton from his home in San Pedro, California:
"I've composed and improvised many different kinds of music, disregarding the limitations of established stylistic categories. That's the way my art evolves, and that's the way I am a person.. I've always believed that the whole of the earth is a huge palette, and the cultures of the world are like colors. Most musicians use only a few colors. I like to use many different colors in many different ways."
Newton's musical/cultural odyssey began at an early age. He was born in Los Angeles on May 1, 1953. His father was a career army man, and James traveled with his family throughout the world. He listened to the urban blues, R & B, and gospel recordings his parents played. At the age of ten, he began listening to the Beatles and Marvin Gaye. In 1965, Newton sang and played bass in a seven-piece R & B group, and by 1968, he and his guitarist had formed a trio, playing Jimi Hendrix and other rock music.
During his junior year at San Pedro High, Newton became interested in the flute. At eighteen, he entered nearby Mount San Antonio Junior College, and within two years he was playing European classical music eight hours a day.
From 1973 to 1976, he played in a group that included jazz greats Arthur Blythe, David Murray, Bobby Bradford, and Stanley Crouch. Crouch introduced young Newton to the entire history of jazz, from early Jelly Roll Morton to contemporary Miles Davis. Crouch also introduced him to folk and classical music from around the world, including African Pygmy, Japanese shakuhachi, and Balinese gamelan music.
At Cal State (1975-1977), Newton continued his studies of European classical music while playing jazz at night. In 1978, he moved to New York, where he lived intermittently until 1981, playing jazz with giants such as Cecil Taylor, Lester Bowie, and Anthony Davis. In 1982, he won his first Down Beat critics poll. In 1983 and 1984, he won both the critics and the readers polls. Newton has composed chamber music for piano, cello, and flute, performed by flute and string quartets and woodwind quintets; he has also composed for a variety of solo, duo, trio, sextet, octet and orchestral combinations.
James Newton continues to merge jazz improvisations and Eastern and Western classical music with a wide variety of world folk music. As demonstrated so well on Echo Canyon, the result is a fresh, new, higher consciousness music that taps into world cultures and historical time, addresses itself to the living present, and helps all receptive listeners grow towards a personally integrated, socially harmonious future.

Тони Уильямс родился 12 декабря 1945 года - выдающийся джазовый барабанщик, один из пионеров музыки фьюжн. Именно он посоветовал Майлзу Дэйвису пригласить из Европы для сотрудничества таких музыкантов как Джон Маклафлин и Дэйв Холланд. Группа Тони Уильямса "Lifetime" явилась одной из первых инструментальных групп раннего джаз-рока.
В 1979 году Уильямс возвращается к сольной карьере. Альбом "The Joy Of Flying" номинируется на премию Grammy. На этой уникальной своей эклектичностью пластинке Тони собрал большое количество совершенно разных музыкантов. Пьесы в стилистическом диапазоне от авангардного джаза до тяжелого рока записали Сесил Тэйлор (Cecil Taylor), Стэнли Кларк, Ронни Монтроуз (Ronnie Montrose), Том Скотт (Tom Scott), Джордж Бенсон (George Benson) и многие другие.
Весьма амбициозно! Но, у этой амбициозности были самые серьезные основания! Тони Уильямс вступает в 80-е годы зрелым мастером. Его взгляды по-прежнему широки. В нем беспрепятственно сосуществуют любовь к Джону Колтрейну (John Coltrane) и Police, Киту Муну (Keith Moon) и Элвину Джонсу (Elvin Jones). Он не перестает говорить о важности самосовершенствования. Его советы молодым барабанщикам предельно просты: надо много заниматься, играть рудименты.
В основе его игры лежит потрясающая ясность изложения. Все сложнейшие элементы исполняются филигранно точно. Это качество было приобретено во время занятий с Аланом Доусоном.
И звук его барабанов ясен и чист. Он настраивает нижний и верхний пластики том-томов (Remo CS) почти в унисон. Большой барабан, также как и том-томы ничем не заглушенный, звучит полно в любом динамическом диапазоне: от рр, когда Тони тихонько играет на нем каждую долю в джазовом аккомпанементе, словно отдавая дань манере старых свинговых барабанщиков, до громоподобного ff, когда он сокрушает музыку в "Lifetime". Передний пластик бочки натянут несколько слабее, чем рабочая сторона. В 1983 году Тони Уильямс попадает в виртуальный Зал Славы (Hall of Fame) журнала "Modern Drummer". Он становится живой легендой. Продолжаются гастроли с "V.S.O.P.-2". Место трубача прочно занимает Уинтон Марсалис (Wynton Marsalis). В 1985 году Уильямс участвует в съемках фильма "Round Midnight" вместе со своими коллегами по квинтету Майлса Дэйвиса, а также с Декстером Гордоном (Dexter Gordon). Вслед за этим Херби Хэнкок приглашает Тони в свой новый проект "Round Midnight Band". Ансамбль совершает тур по Европе. Периодически Тони показывает свой характер. Он уже находится на положении вседозволенности, что создает проблемы в ансамблевом музицировании. На фестивале в Праге во время исполнения баллады обнаруживается, что его темп немного отличается от темпа в котором играет басист Бастер Уильямс (Buster Williams). Через 8 тактов поняв, что никто не готов уступать, Тони просто уходит со сцены и наблюдает за игрой коллег, мрачно жуя яблоко.
В 1982 году он сочиняет одну из самых знаменитых своих композиций "Sister Cheryl", которую тут же записывает на своем дебютном альбоме Уинтон Марсалис. Эта пьеса становится впоследствии визитной карточкой квинтета Тони Вильямса. Однако, это довольно редкий случай: большинство композиций Тони исполняется только им самим. Он же считает себя начинающим композитором.
Похоже, что игра на бирже занимает Уильямса середины восьмидесятых больше всего на свете. Однако, продюсеру Энн Мари Уилкинс (Ann Marie Wilkins) в 1986 году удается убедить его создать собственный квинтет, исполняющий прямой джаз (straight ahead). Главным аргументом были молодые талантливые музыканты, порекомендованные Энн. Это были: трубач Уоллас Ронии (Wallace Roney), саксофонист Билл Пирс (Bill Pearce) и пианист Малгрю Миллер (Mulgrew Miller). Тони подошел к созданию нового коллектива очень серьезно. Весь репертуар ансамбля составили его композиции. За семь лет существования записал 5 альбомов, среди которых такие шедевры, как "Civilization", "Native Heart". В эти годы наиболее полно раскрылся композиторский талант Уильямса. Яркие пьесы и зажигательная игра музыкантов создали уникальное звучание квинтета, активно гастролировавшего по всему миру с 1986 по 1993 года. Будучи безраздельным хозяином этой творче